Giacometti em Londres

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Giacometti e Genet

A Tate Modern mostra até 10 de setembro deste ano uma das maiores exposições sobre Alberto Giacometti (1901/1966) realizadas na Inglaterra. Escultor, pintor e desenhista Giacometti possui uma das obras mais sólidas do chamado modernismo no último século.

Da mesma forma que a de Van Gogh, a obra de Giacometti é moída, remoída, pisada e repisada todos os dias em um processo lento, obsessivo, permanente, que atua sobre si mesmo. É como se o artista desejasse filtrar suas linhas, formas e cores, depurando constantemente seu próprio elemento.

Um processo que se assemelha à pintura oriental, onde pintores copiam aos seus mestres constantemente, em uma espiral que se repete, sem jamais ser a mesma.

A desfragmentação da imagem em Giacometti se sobrepõe, trabalho após trabalho, em um palimpsesto onde o caos está aprisionado em limites rigorosos, construídos por linhas perpendiculares, longitudinais, transversais. Giacometti se copia constantemente sem jamais se repetir.

Considero ainda que a força descomunal de sua obra está no fato de que Giacometti é único, seja na pintura, desenho ou escultura, ele é monolítico, não existe no conjunto de seus trabalhos um só espaço vazio ou mesmo qualquer área vacilante. Suas imagens são rigorosas e irrespiráveis.

Estar na frente de um Giacometti é um desafio, uma experiência que nos transporta a outro lugar sem que nenhum músculo do nosso corpo se movimente.

Jean Genet 1954 or 1955 by Alberto Giacometti 1901-1966

Retrato de Jean Genet por Giacometti

Para conhecer um pouco mais desta obra singular devemos ler um dos seus retratados ilustre e maldito: Jean Genet em O Ateliê de Giacometti. Vale conferir.

Sons de John Cage

A música de John Cage não permite que os ouvidos a percebam como música, – aquela doce e melodiosa que conhecíamos até aqui – mas como apenas como sons. Incluindo aí, com importância essencial, o silêncio, tão revelado pelo autor, valorizando assim o sons que vem do outro (daquele que ouve e respira).

A música melódica, tonal, que conhecemos e aprendemos a reconhecer ou ler, desde suas origens, passa pelo classismo, barroco e romantismo se diluindo até o inicio do século XX. Sons encadeados perfeitamente para nossos cinco sentidos. Sobretudo aquilo que é tátil, no sistema auditivo e a pele que absorve o ritmo em camadas de vibração celular. Esta música, como a conhecíamos há alguns anos, tem relação direta com as medidas do nosso corpo, com o alcance da visão, com os aromas da memória. Trata-se de música definida nas escalas do vento que percebemos em nossa pele, nas linhas das montanhas visíveis, no balanço do mar que se extingue em um arco como horizonte. A música tonal é encadeada como são as ligações naturais, como o balanço das árvores, o movimento dos animais. Esta música é músculo em contração, é respiração contínua, fazíamos música como olhávamos para o mundo, um olhar rápido e desinteressado, ou rápido e profundo, um olhar obcecado e permanente, triste ou melancólico. Uma música encadeada, setenária, contínua sem rupturas, sem vazios, sem desafios, aconchegante, maternal. A música que nos trouxe até aqui projeta linhas que se movimentam e giram ao nosso redor criando um vórtice que nos envolve e protege. Ela é antropométrica em nossa relação com o meio.

Nos anos 40 John Cage entra em contato com uma câmara anecóica (Anechoic chamber), um ambiente criado pela engenharia, com seis paredes feitas com material especial para não reverberar nenhum eco. Um lugar que proporcionaria um silêncio quase total. E é aí neste local que Cage descobre que não existe silêncio, os sons internos, do seu próprio corpo ocupam seus sentidos e abrem perspectivas infinitas para sua música. Esta experiência inaugura um espaço para sons difíceis, duros, aleatórios, distantes das medidas do nosso corpo mais superficial ou mesmo da natureza visível que nos cerca.

Ao mesmo tempo em que desenha caminhos para Cage valorizar todos os sons que nos circundam, confira nas palavras do músico em outro post, independente da “genialidade” do artista, o que vale para Cage é a multiplicidade estabelecida entre artista, obra e ouvinte. Aqui encontramos uma similaridade com a obra de Duchamp que nos recoloca frente a frente com os objetos prosaicos disponíveis a nossa volta em seus ready mades, da mesma forma que Cage nos coloca diante dos sons que nos cercam em todos os segundos da nossa vida.

Mas independentemente das inferências filosóficas retiradas da obra de John Cage, ao revelar os sons singulares do microcosmo, sua música igualmente nos eleva aos sons do macrocosmo, das estrelas. Um eco e um oco sonoro de raios cósmicos, um som de partículas em deslocamento, fluxo elementar passando por nossos ouvido e pele. Sua música revela a permeabilidade celular  e orgânica dos líquidos, os impulsos elétricos do córtex animal, mas simultaneamente o pulso das estrelas, a viagem da luz no vácuo, entre milhões de partículas gravitando de forma intempestiva.

Sua música está “em lugar algum” do nosso espaço circundante. E ao mesmo tempo, infinitamente próxima, íntima, dissolvida no “eu”. É a música de um momento presente – um átimo entre dois movimentos -, pontual, único, porém de um ser singular mas completamente permeável ao outro.

Enquanto a melodia afaga e agasalha nossas emoções, os sons de Cage sacode nosso espírito.

A arte e a luz

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Colagens de Alex Sernambi

Um amigo me pede para avaliar seus trabalhos. Quer uma opinião sincera, que poderá, inclusive ser extremamente dura, conforme suas palavras . Deseja minha abordagem, absolutamente verdadeira, para ajudá-lo na decisão sobre seu caminho relacionado aos trabalhos gráficos que já realiza. Perguntas que todos nós que trabalhamos com arte, independentemente da linguagem ou do tempo, já nos fizemos algum dia: Vale a pena seguir fazendo o que faço? Qual o valor daquilo que faço em um mundo que produz tanto? O que faço é importante para alguém, além de mim mesmo?

O caminho da arte, do ponto de vista destas angústias pessoais e silenciosas, talvez seja o mais árduo. Por que digo isso? Porque a arte não tem, como tantos outros ofícios, uma função objetiva, não produzimos pão, não salvamos vidas, não construimos casas. Nosso ofício tampouco deve ter compromisso com a linearidade ou mesmo com a coerência, como as têm a ciência, filosofia ou religião.

Geralmente são nas inflexões, nas mudanças bruscas de rumo, nos desvãos e contradições, que encontramos as verdadeiras fontes do nosso trabalho. É aí onde revelamos as melhores imagens, a melhor luz, cores, ou sons. Somos movidos por uma angústia psíquica permanente, a inquietude da mente ou da mão em sua busca constante por novas relações, novos sentidos, observando através de frestas que nos permitam ver além da matéria mais imediata.

Mas, antes mesmo de escrever sobre o trabalho de Alex – é como chama-se meu amigo, estudamos juntos na Escola Nacional de Bela Arte no Rio de Janeiro nos anos 80 – gostaria de afirmar que as pessoas, em seus mundos, em qualquer situação que se encontrem, estão necessitando de mais arte. Toda forma de arte é essencial à respiração do indivíduo, como também do coletivo. Em um mundo subjugado pela produção em série a serviço do consumo, a poesia da forma, da palavra e dos sons, me parece ser o único alimento descontaminado, que mantém nossa inquietação ativa. As escolas e tendências da arte se foram, os estilos fragmentaram-se em uma multiplicidade inacreditável, na medida em que as amarras teóricas dos grandes “ismos” romperam-se definitivamente. Dia após dia ganham força e importância as histórias pessoais, as marcas sobre a pele de pessoas que as expressam no plano da sua arte.

Portanto Alex tem muito a nos dizer ,seu trabalho é sólido e tem maturidade, e basta um olhar rápido sobre seus trabalhos para perceber esse volume acumulado em sua retina que lentamente é aplicado em um plano bidimensional com o cuidado de quem define uma cena tensa é rigorosa.

Mas agora vamos entrar nas especificidades. Cada artista tem suas singularidades, sua construção, suas ferramentas materiais e espirituais. Alex sempre me impressionou por duas características fortes: sua ironia refinada – dona de uma risada nervosa e contagiante – e simultaneamente uma carga depressiva – que arrasta sua visão aos nossos porões e subsolos com muita facilidade.

Encontro estas duas referências, bem estruturadas, em seus trabalhos gráficos. São duas linhas marcadas em sua produção. Mas não gostaria de limitar meu raciocínio neste círculo psicológico, porque acho mesmo que o processo criativo vai muito além da própria carga pessoal do autor. Alex tem utilizado a colagem como meio expressivo há muitos anos. Me lembro de trabalhos iniciais onde a aparente facilidade técnica da colagem resultava em um trabalho excessivamente carregado, com toda a carga irônica de uma realidade nonsense. São bons trabalhos que nos atingem através da força da construção barroca, onde a ilusão do detalhe se funde em uma grande imagem que nos impacta mais ou menos conforme o apelo da unidade resultante.

Mas, as colagens de Alex, rapidamente o arrastam para um campo que ele conhece bem, a luz. Quando os seus trabalhos iniciais – que eu descrevi acima – recebem um tratamento especial da luz, ganham mais um novo elemento, um valor de transcendência, naquilo que suas imagens já haviam conquistado. Os trabalhos de Alex, em primeiro lugar ganham com a diminuição de elementos e ampliação da atmosfera. Suas imagens tornam-se dramáticas, sem perder o potencial irônico. Suas obras nos retiram do mundo aparente e nos direcionam para os subterrâneos, para os nossos porões. E é aí que sua arte ganha força. Este, para mim é o caminho amplo e fecundo que se abre para o aprofundamento da obra de Alex.

Se você quer conhecer mais do trabalho de Alex clique aqui.

 

Velázquez e suas meninas

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Um Diego Velázquez é vendido por oito milhões de euros. A pintura de uma niña com seu olhar distante, mas também interrogador. Ela não nos olha diretamente nos olhos, observa algo em nosso entorno e suas mãos puras pedem por algo que inquieta.

Cada retrato de Velázquez expressa vigorosamente aquilo que o pintor se propõe a estabelecer entre o retratado que olha ao observador ou mesmo o que nós observadores podemos buscar na imagem que é vista.

Diego Velázquez já foi considerado por muitos o “pintor dos pintores”, frase cunhada por Édouard Manet, além de ser considerado o maior retratista entre todos os pintores.

Não viveu uma vida conturbada, como grande parte dos grandes artistas, tampouco nasceu ou morreu pobre. Nasceu em meio a nobreza, foi sempre o pintor da corte, e por duas oportunidades viajou a Itália para conhecer os antigos mestres e respirar o berço do renascimento. Conheceu o mestre o barroco Peter Paul Rubens, além de estudar as obras de Ticiano, Tintoretto e Veronese, conhecendo todas as cores da escola veneziana. El Greco era sua obsessão.  Picasso, Dali, entre outros utilizaram suas obras como referencias para suas pinturas. Francis Bacon realizou uma série de trabalhos tendo como ponto de partida obras de Velázquez.

Seguramente a tranquilidade financeira do pintor deu a ele o tempo e a paz necessária para desenvolver sua técnica que está entre as mais requintadas da história da pintura.

Velázquez bebeu na fonte de Caravaggio e EL Greco, e serviu como caminho pictórico e expressivo para um número gigantesco de grandes artistas posteriores. Sua “Las meninas” assombra muitos artistas até nossos dias, uma pintura que reflete infinitos espelhos, perspectivas, planos e contraplanos traçados por olhares incomuns. Uma pintura que todo artista gostaria de ter executado. Uma obra onde a imagem vai muito além do que mostra, um espaço que estabelece relações transcendentes, contudo trabalha com as forças mais sólidas da imanência.

O último trabalho do artista espanhol, e que praticamente o leva a morte, simultaneamente imortaliza a “infanta Margarida da Áustria”.

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Kazimir Malévich – Cruz Branca e Cruz Negra

É indiscutível que nossas construções ancestrais: genética, imagética, sensível e finalmente o que podemos considerar como sua resultante, a ética, são estruturadas e definidas por eixos rígidos, resistentes, milenares. Esta arquitetura dos eixos originais fortalece sempre sua resultante, uma consequente polarização, seu balanço ou equilíbrio. Afinal nossa formação é de origem dupla.

É assim, inevitavelmente, que percebemos a relação de um eixo com seu espaço circundante. Todo eixo possui seus dois extremos ligados por uma força comum que une ambos, de forma equilibrada ou mesmo desequilibrada.

Nosso mundo interno e externo desde sempre foi lido a partir de uma linha de horizonte, já nascemos diante do horizonte, nossos olhos definem imediatamente o que está acima e o que está abaixo. Isso fisicamente nos coloca, eretos, entre a terra e o céu. Animais e vegetais ligam a terra, através de nossos pés/raízes, ao céu, por meio de respirações/fotossínteses.

Não podemos desconsiderar a lição simples de Novalis quando nos diz: “Toda linha é o eixo de um universo”.

Todo eixo tem seus dois extremos, mas há inelutavelmente uma ligação – perceptível ou não, visível ou não, material ou não – entre eles. Uma escala complexa se impõe entre fracos e fortes, entre pretos e brancos, entre femininos e masculinos, entre objetivos e subjetivos, entre opacos e transparentes, um “indescritível tecido de filigranas” transformando sutilmente a matéria mais pesada nas formas mais expressivas da leveza.

Ou não é assim que um enorme e pesado bloco de mármore se transformou na imagem de Davi? E o que é esse “indiscritível tecido de filigranas”, que separa a rocha bruta da escultura perfeita, a não ser a vida mesma de Michelangelo, com todas as suas contradições? Portanto entre a pedra e a imagem já havia, mesmo antes de Michelangelo, um pulso, uma carga de probabilidade, um desejo latente, nos dois extremos deste eixo. No seio da pedra bruta e na imagem projetada de Davi, estes dois extremos aguardavam por uma mão que os desvelassem em sua unidade. No meio do percurso havia um Davi em pedra.

Mas deveríamos ter desde cedo aprendido algo fundamental: estes extremos fazem parte da mesma história, tem a mesma origem, são sempre faces da mesma lâmina, trama e urdidura do mesmo tecido, pó da mesma terra, partículas do mesmo ar, imagens do mesmo corpo, ideias das mesmas mentes.

Em milhares de anos de organização social e poder, conseguimos radicalmente dividir nosso mundo em dois.

Caminhamos sempre, com uma espada nas costas, impelidos a decidir e tomar partido entre pretos e brancos, entre certo ou errado, o mal e o bem, anjos e demônios, esquerda e direita, muçulmanos e cristãos, enfim nos colocam sistematicamente na encruzilhada acalentadora da ignorância.

Opostos, antagônicos, somos nós e os outros. E é claro, os outros sempre representam o mal a ser combatidos. Dividir para conquistar. Esta é a base da nossa história de sangue.

Uma história que de forma maniqueísta massageiam o ego do nosso preconceito cegando qualquer espécie de visão do outro, dos nossos iguais.

Quando nos agarramos a um extremo perdemos a história do percurso, perdemos nossa compreensão, perdemos o que temos de melhor em nossa humanidade, perdemos Michelangelo. A intolerância e o preconceito, filhos do orgulho, estão na raíz do nosso descaminho humano.

Pacotes, operações e o futuro…

 

 

pacote e operaçãoChristo and Jeanne Claude: PS1 – Man Ray: O Enigma de Isidore Ducasse – Rembrandt: A Lição de Anatomia do Doutor Tulp e O Boi Descarnado.

 

Já fomos o país dos planos que no fundo eram pacotes econômicos. Isto para não ir muito mais longe no passado de um país que foi descoberto há 500 anos, porém tem bem menos tempo de história que valha a pena relatar. Voltando aos pacotes. Lembram? Plano/Pacote do Sarney ou Cruzado, do Funaro, Bresser, Plano Verão, Collor 1, Collor 2, Real. Naquele momento recente da história brasileira dizia-se que nossos problemas eram decorrentes da inflação. Problemas econômicos, brasileiros sem controle financeiro, sem experiência monetária/democrática, dizia-se que os brasileiros engatinhavam no grande salão do capitalismo moderno.

Passados 30 anos viramos o país das operações. Retiramos o país das páginas econômicas e o colocamos nas páginas policiais. Operação Zelotes, Vórtex, Dupla Face, Cosa Nostra, Lava Jato, apenas para ficar em algumas, até porque você não vai acreditar no número de operações desencadeadas no Brasil desde 2003…são mais de três mil operações apenas da Polícia Federal. Neste momento atual da história brasileira diz-se que nossos problemas são decorrentes da corrupção. Propina em todos os lugares, falta seriedade, falta comprometimento, diz-se que os brasileiros engatinham no grande salão da democracia moderna.

O país vive intoxicado com estes discursos hegemônicos, obtusos, e fáceis, que desejam o Brasil preservado como o “país do futuro”. Estes discursos buscam um inimigo, em alguns momentos a Inflação e a economia, em outros a corrupção e a política. Estamos há anos discutindo aquilo que não formará o país. Não temos uma agenda para o Brasil. Toda a nossa energia se concentra, deliberadamente, em um discurso autofágico e destruidor.

Não devemos discutir inflação e corrupção? Sim é claro. Mas estes não podem ser os principais focos de uma nação.

O que aconteceria se todas as televisões, rádios, jornais, redes sociais, blogs, etc. destinassem o mesmo tempo – que já dedicaram no passado à inflação e à economia, somado ao tempo que hoje dedicam à corrupção e à má política – dedicando-se por exemplo à educação financeira, ao empreendedorismo, à ética, a importância da política pública na vida das pessoas, o respeito ao outro que pode ser um familiar, amigo, cliente ou mesmo desconhecido.

Infelizmente o Brasil tem seguido o conselho de Giuseppe di Lampedusa: “Para que as coisas permaneçam iguais, é preciso que tudo mude”.

Temos mudado apenas na forma. Nosso foco (ou inimigo comum) deixou de ser a inflação e passou a ser a corrupção. Mas o conteúdo permanece o mesmo: os brasileiros tem matado um aos outros na ordem de 150 homicídios diários. Brasileiros matando brasileiros em alguns casos por conta de um celular ou R$ 50,00.

Quando teremos um país onde aquilo que está escrito em uma embalagem, realmente esteja dentro da própria? Quando poderemos sair à noite de casa sem medo de não retornar? Quando abriremos um negócio que signifique realmente um futuro melhor e não mais um pesadelo todos os dias e noites?

Muito provavelmente, quando valorizarmos os “pacotes” de Christo, os embrulhos de Man Ray, ou mesmo aprendermos mais com as operações pictóricas de Rembrandt, investindo em uma cultura de construção, retirando as pessoas da miséria espiritual que as imobiliza, sairemos gradualmente do atoleiro em que nos encontramos. Assim demonstra a experiência em outros países.

 

O Brasil e suas carnes

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Trouxas ensanguentadas de Artur Barrios

Nas décadas de 60 e 70, no auge da repressão que aconteceu durante os governos dos presidentes Emílio Garrastazu Médici e Ernesto Geisel, o Brasil já havia se encontrado com suas próprias carnes. O artista Artur Barrios espalhava “Trouxas ensanguentadas” pelas ruas e terrenos baldios indicando o caminho dos crimes e o cheiro do sangue da ditadura.

A obra de Barrios segue atualíssima. Nos dias de hoje qualquer artista, sem tanta originalidade é claro, que empacotasse ossos, carnes e vísceras, largando-os nas ruas de qualquer cidade brasileira estaria indicando ainda o caminho dos crimes praticados no Brasil, não mais através da repressão militar, mas sem dúvida, crimes praticados no grande esgoto a céu aberto em que se transformou nosso país.

Está estabelecida uma tamanha promiscuidade entre o público e o privado capaz de destruir completamente a linha que deveria resguardar as mais básicas regras de relação entre estes dois campos.

O que é de todos e deve ser respeitado e usufruído por todos (isso é público, escrevo porque entendo que ainda não temos isso bem claro), o que é apenas meu e serve tão somente ao meu uso (isso sim é privado) e posso fazer uso como desejar.

Embora, nos dias atuais, mesmo no campo da iniciativa privada o respeito às atitudes e ao outro (consumidor/cliente) deve vir antes de tudo. Por que as autoridades e empresas brasileiras não aprendem com experiências já vividas? O presidente mundial da Toyota veio a público pedir perdão por um grande recall necessário em seus veículos. Ele se comprometeu a corrigir e melhorar seus processos. Os exemplos são muitos. A Volkswagen pediu desculpas ao mundo por utilizar um software que driblava o sistema de controle de emissão de poluentes. O CEO do Uber pediu desculpas públicas, recentemente, por tratar mal um dos seus colaboradores em uma de suas viagem utilizando seu próprio serviço.

No Brasil não. Governo e empresários culpam a polícia (pasmem) por abusos na divulgação dos fatos. E mesmo no caso de haver abuso na forma, antes houve um crime e contra a saúde pública. Esse é o conteúdo significativo.

Por que não pedem desculpas por permitir (governo) uma falha na fiscalização, com provas de corrupção de funcionários públicos, além de prenderem (empresários) pessoas da iniciativa privada que ultrapassaram e muito a linha que divide o interesse público na proteção da saúde dos consumidores, dos interesses de ganho privado.

Infelizmente as atitudes tanto públicas quanto privadas me levam a crer que ainda teremos muita carne abandonada em “Trouxas ensanguentadas” aparecendo nas ruas do Brasil. Corrupção e crime não se combate jogando para baixo do tapete. Estes cadáveres acabam aparecendo em algum momento, trazidos a tona por algum Artur Barrios em atividade.

Os brasileiros cansados de tantas “Trouxas”, esperando que tenhamos chegado ao fundo do poço e que esta seja a última, talvez devam se conformar com a realidade de um poço mais fundo do que imaginamos.

Max para ver

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Foto com intervenção de Max Moura

 

A paixão final de Max Moura pela fotografia talvez tenha dominado as fronteiras de seu território em função de um certo cansaço do fazer. O desenho, a pintura e a gravura são ofícios que exigem além do mental, também o físico, a fricção com a matéria resistente. Passar uma vida arrancando imagens de suportes brancos esgota nossos tendões e também as sinapses.

O enfrentamento angustiante com o branco do papel, da tela ou mesmo da pedra, metal e madeira se torna cada dia mais difícil, porque nosso grau de exigência cresce, ou pelo menos deveria. Buscamos aquilo que Paul Klee chamava: tornar visível.  Em algum momento de uma vida, como a de Max, totalmente voltada para a imagem, aqueles que trabalharam, como ele, dura e longamente revelando imagens a partir de toda a forma de matéria, se encontram diante de um simples prazer: ver. Isso porque aprenderam a olhar e ver.

A relação extrema e intensa com a imagem permite realizar aquilo que já sabemos: ver é imaginar.

Aqui lembro do cinema de Pier Paolo Pasolini em Decameron, quando na cena final o artista que pinta o retábulo, sonha com sua própria obra e ao acordar se pergunta: para que pintar, quando é tão melhor sonhar?

O que é sonhar senão ver com a alma, ainda que prescindindo de um corpo óptico, embora uma alma ainda manchada de carne e sangue?

Max viu suas imagens finais através de uma lente, enxergava seu mundo particular e o congelava, recortando, adicionando ou subtraindo os elementos de sua alma. Gravava sobre as imagens naturais outras imagens que apenas seus olhos captavam.

Quando ganhei esta foto lhe disse que escreveria sobre ela e cheguei a nomear os três personagens do primeiro plano: O perfumista, o letrado e o inquieto. Os três personagens desta foto que Max me deu durante sua exposição. Mas Max insistia comigo que não me fixasse apenas no primeiro plano mas principalmente ao fundo onde o seu desenho já era anunciador.

Não escrevi o texto após sua morte, talvez um dia o faça.

*O pintor, desenhista e gravador Max Moura nasceu e faleceu em Florianópolis em 1949/2009.

 

O tempo da arte

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Kazuo Ohno nasceu 27/10/1906 e morreu em 01/06/2010, dançarino e coreógrafo japonês é considerado mestre do teatro butô. Esteve no Brasil em 1986, 1992 e 1997. Sua arte sacudiu a dança contemporânea japonesa nos anos 60. Kazuo recebeu importante influência do dançarino expressionista alemão Harald Kreutzberg (1902-68). Outro fato significativo na vida de Kazuo Ohno foi sua paixão pela dançarina Antonia Mercé y Luque conhecida como La Argentina, que ele assistiu pela primeira vez no Teatro Imperial de Tóquio em 1929, e jamais a esqueceu.

“Durante os cinquenta anos que se passaram, essa visão muitas vezes me dominou. Mas pouco importa quantas vez me aconteceu de chamá-la ou de implorar; não se desvendou mais para mim, se bem que entranhada no mais profundo da minha alma.”

Portanto mais de cinquenta anos depois, o dançarino estava com 71 anos, durante uma exposição de um pintor japonês, diante de uma pintura geométrica, Kazuo Ohno começa a dar forma ao espetáculo “Admirando La Argentina” (fotos), um solo, que conquistou a Europa em 1980, no festival de Nancy, França.

A obra de Kazuo Ohno localiza-se naquele ponto único onde a arte parece negar-se a si própria. Um lugar onde poucos artistas se arriscam. Existe aí uma vontade de tocar o mistério, o obscuro, conhecer a morte em vida. O abismo precisa ser explorado até a sua desmedida. Sua dança não é dança. O que ele expressa é a própria vida/morte em movimento, em silêncio, em pausa, sem ar, sem olhar.

Neste lugar onde poucos habitam estão Jonh Cage e seu som do silêncio, que portanto não é música; Karlheinz Stockhausen com suas duas composições Licht e Klang, uma com vinte e nove horas de música e a outra com sons referentes aos sete dias da semana e da mesma forma não são música como a conhecemos. Igualmente neste campo da ausência está James Joyce e seu Finnegans Wake, ou mesmo Ulisses, textos que não são literatura. Não é diferente o desejo de Kazimir Malevich com sua obra Branco sobre Branco, uma pintura que não é pintura. Como também o Grande Vidro de Marcel Duchamp não é pintura, tampouco escultura.

Estas grandes obras filhas da ausência tentam fundir céu e inferno e encaram a vida e a morte como o mesmo elemento. É aqui que encontramos a performance de Kazuo Ohno buscando tocar a máxima escuridão com a mão direita enquanto retira o pé esquerdo da claridade absoluta.

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THE TIME OF ART

Kazuo Ohno was born on October 10, 1906, and died on July 01, 2010. The Japanese dancer and choreographer is considered a master of Butoh theater. He had been in Brazil in 1986, 1992 and 1997. His art shook the Japanese contemporary dance in the 1960’s. Kazuo received a great influence by the German expressionist dancer Harald Kreutzberg (1902-1968). Another relevant fact in Kazuo’s life is his passion for the dancer Antonia Mercé y Luque, also known as “La Argentina,” that he saw for the first time in the Imperial Theatre, in 1929 in Tokyo, and never forgot.

“During the fifty years that passed, this vision had dominated me a lot of times. But it doesn’t matter how many times I went calling on her or begging her; She didn’t reveal herself to me anymore, although [she was] engraved in the bottom of my soul.”

Then, when the dancer was 71 years old — therefore more than fifty years after seeing La Argentina’s performance —, in the face of a geometric paint in an exposition of a Japanese painter, Kazuo Ohno started to give form to the performance “Admiring La Argentina” (photos), a solo that has won over Europe in 1980, in the International Festival in Nancy, France.

Kazuo Ohno’s work is located at that point where art seems to deny itself. A particular place where few artists risk to go. There is a will to touch mystery and the obscure, and to know death in life. The abyss needs to be explored until its utmost. His dance is not dance. What he expresses is life/death itself in movement, in silence, in pause, breathless, sightless.

In this place where very few live, we find John Cage and his sound of silence that, therefore, is not

music; Karlheinz Stockhausen with his two compositions “Licht” and “Klang” — one lasting twenty-nine hours of music, and the other with sounds referring to the days of the week —, that, in the same sense, aren’t music as we know it. Also in this field of absence, we find James Joyce and his “Finnegans Wake,” or even “Ulysses,” books that are not literature. It’s not different the desire of Kazimir Malevich with his work “White On White,” a painting that is not a painting. As well as Duchamp’s “Great Glass,” that is not painting, nor it is sculpture.

These great works, spring of the absence, try to merge heaven and hell and look life and death as the same element. It is here where we find the performance of Kazuo Ohno, trying to touch the utmost darkness with the right hand while putting his left foot out of the absolute clarity.